Festival Sudamericana 2025 - San Ginesio (MC)

 

El Festival Sudamericana se renueva una vez más, presentando su decimotercera edición, 2025, a su público actual y al futuro, cada vez más rica en arte, pasión y emoción.

El evento nacido sobre el hilo inspirador de la cultura del tango en Agosto de 2013 en San Ginesio (MC), a lo largo de los años se ha planteado metas cada vez más altas y ha buscado la calidad humana y artística, hasta que se vuelva exclusivamente en línea - social, buscando así el estudio y la selección de los artistas más interesantes y talentosos de latinoamérica y sudamérica, y más allá, del mundo cultural de la poesía, la literatura, la música, la danza, el teatro y el arte.

Todo esto ha sido y sigue siendo posible gracias a la incansable y perseverante labor de la Asociación Cultural “San Ginesio” y del Centro de Lectura “Arturo Piatti” (Provincia de Macerata). Gracias a ellos, el evento, dedicado al mundo latino, también ha visto surgir importantes oportunidades de hermanamiento a lo largo del tiempo.

En este sentido, los Socios para la edición 2025 son: Asociación Cultural Terra dell’Arte - M.I.D.A.C. Museo (Belforte del Chienti - MC - Italia), F.O.R.A.R.T. fe (Macerata - Italia), Festival Internacional de Poesía En el Lugar de los Escudos (Ciudad de México - México), Centro Cultural Tina Modotti (Turín - Buenos Aires - Italia - Argentina - Cuba), Revista Digital Literaria El Gato Negro (Madrid - España), Premio Internacional “Luigi Vanvitelli” (Caserta - Italia) y estudio / galería Bromuro (Santa Rosa - La Pampa - Argentina).

El Festival estará visible como siempre en la página de Facebook dedicada: https://www.facebook.com/sudamericanafestival/

del 6 de agosto de 2025 al 7 de enero de 2026

A continuación la lista de invitados del Festival, con sus respectivas aportaciones artísticas:

Cuarto Fractal (danza - videodanza), Orquesta La Juan D’Arienzo (música), Cuarteto Pichuco (música), Compagnie Tango Unione (danza - teatro), Tango en Trío (música), Miguel Angel Acosta (música), Nicole Johänntgen (música), Ángela González (arte), Graciano 4 Cuarteto (música), Fernando Rodríguez Rojero y Compañía Ensamble-teatro (teatro), Simone Marini (música), Ulises Paniagua Olivares (poesía - arte visual), Johanna Carvajal Arboleda (poesía), Los Guapos del Tango (baile), Miguel Bolaños - Ki Danza - Compañía de Danza Contemporanea - Álvaro Mata Guillé - VV.AA. (danza - teatro - poesía), Alejandro Cortés González (poesía - recital), Kari Krenn (poesía),    Mauricio Vélez Mejía (poesía), Kardo Kosta (arte), Jehannie Cardoso Leyva (arte), Angel Luís Galzerano (música), Orquesta Típica Misteriosa Buenos Aires (música), Os Ciclomáticos Companhia de Teatro (teatro).

Finalmente, nos gustaría anunciar que la foto de portada de la página social del Festival es la misma que la de 2024, con el escritor Adrián Bravi, cortesía del fotógrafo Fabrizio Centioni (Fotomobil - Macerata - Italia).

El evento está organizado por los operadores culturales Rita Bompadre y Matteo Marangoni.

Para más información: +39 340 6657356 - associazioneculturalesanginesio@hotmail.it

Revista Ómnibus n. 76

https://www.omni-bus.com/n76/home.html

Queridos amigos: 

Ya ha salido nuestro número 76 de la revista Ómnibus con artículos sobre Literatura, Arte, Reseñas y Novedades, Cine y Creación. Esperamos que disfrutéis de su lectura. 

Gracias a nuestros colaboradores y lectores por acompañarnos en este viaje cultural durante esta larga trayectoria de la revista. 

Equipo Editorial

 

Quando la poesia incontra l'arte... de Cesare Verlucca y Michela Mirici Cappa

 

Reseña de Quando la poesia incontra l'arte... de Cesare Verlucca y Michela Mirici Cappa

Por Rita Bompadre - Centro de Lectura “Arturo Piatti” https://www.facebook.com/centroletturaarturopiatti/

 

 

Quando la poesia incontra l'arte... de Cesare Verlucca y Michela Mirici Cappa (Hever Edizioni, 2024 pp. 88 18,00 €) concuerda, con una maravillosa correspondencia artística, la viva y brillante complicidad de los autores, en la afortunada relación de representar y Interpretar la evocación poética, en la intensidad de las palabras y en el encantador paisaje de las pinturas. El libro contiene poemas muy significativos, dictados por la personalidad ferviente y apasionada de Cesare Verlucca, animados por un sentimiento auténtico, asiduo, consolidado por la cualidad del agradecimiento y la plenitud de vida presente, anclado al eco sentimental de los recuerdos y a la indispensable libertad. de deseos. El feliz y propicio encuentro entre Cesare y Michela es la demostración sólida y luminosa de un camino favorable, perfilado por la expresión especial y acogedora de una sola mano y de un solo pensamiento, en la combinación positiva de la actividad creativa, en el panorama noble y exclusivo. idílico. Cesare Verlucca exalta la preciosa y cautivadora afinidad que existe entre poesía y pintura, abrazando la naturaleza íntimamente conectada de las imágenes que renuevan la escritura, propone el diseño de un poema conmemorativo, capaz de explicar la representación dinámica e inquieta del alma, de transmitir el equilibrio en movimiento de los afectos, la percepción perdida y aprensiva de la realidad. La poesía de Cesare Verlucca evoluciona siempre su finalidad literaria en el desarrollo estilístico de una confianza coloquial y familiar, en la que el verso es la síntesis original del movimiento interior, la entonación introspectiva, la tensión exacta de los acordes románticos. Describe el desarrollo de la persuasión emocional, el paso existencial del conocimiento, adopta la sensación explícita de comprensión, sugiere el detalle de las sugerencias, completando la inseparable identidad entre la estética del ensueño y la verdad de las reflexiones. Las pinturas de Michela Mirici Cappa recorren la poesía silenciosa de las emociones, traducen la indeleble capacidad celebrativa de los elementos espirituales, adornan, con colores ricos en reflejos inconscientes y contenidos delicados y conmovedores, la revelación de la nostalgia, efigie de la huella melancólica de cada vacilación del corazón. Transfieren, con cada soberbia pincelada, la observación y resaltan la complejidad de la condición humana, identificando al lector con el espíritu secreto y crepuscular de las cosas, en la dimensión lírica que colorea el matiz de los estados de ánimo. Cesare Verlucca utiliza cada metáfora elegíaca para comunicar la vocación de una identidad sabia y previsora, caracterizada por el valor de la experiencia y de los sentimientos, testimoniando la alianza personal y reservada con la apasionante aventura de la vida, en una trama íntima, privada y autobiográfica. del pensamiento cuidadoso y reflexivo. La poesía de Cesare Verlucca ofrece una investigación humanista de la experiencia, contempla la expresión conmovedora del instinto y la pasión, se convierte en portavoz de un milagro sensible, en el deseo de ir más allá y superar la frontera de la esperanza. Cesare Verlucca y Michela Mirici Cappa comparten el valor horaciano de la frase latina “Ut pictura poesis” (Como en la pintura, así en la poesía) en la esencia adivinatoria de la superposición de artes hermanas, en su energía elocuente.

Exposición “El Río de la Memoria. Arturo Alape"

 

Entrevista a Natalia Tejada García, curadora de la exposición “El Río de la Memoria. Arturo Alape”, en la Biblioteca Nacional de Bogotá.   El video hace parte de la serie titulada “Artistas, vida y obra” realizada por Le Monde diplomatique, Ediciones Desde abajo y el Colectivo audiovisual Desdeabajo Televisión (DaTV) en Bogotá.

CARLOS FAJARDO FAJARDO

Exposición “El Río de la  Memoria. Arturo Alape”. Entrevista a Natalia Tejada García. Curadora de la exposición.

https://youtu.be/G6SYk-rmG0Q?si=z8Vtk35C84AjsTii 

Director de la serie Artistas, vida y obra: Carlos Fajardo Fajardo.

Realización y producción: Le Monde diplomatique, Ediciones Desde Abajo y el Colectivo audiovisual Desdeabajo Televisión (DaTV) en Bogotá.

LINK de la Serie Artistas, Vida y Obra:

https://www.youtube.com/playlist?list=PLXSRA_SQHRlwRFLJQPQxdw-KRoiY05FH9

Festival Sudamericana 2024

 

Foto de Adrián Bravi_by Fabrizio Centoni
 (Fotomobil, Macerato, Italia)

El Festival Sudamericana se presenta nuevamente al público con la duodécima edición, 2024, verdaderamente rica en arte, emociones y sentimientos.

El proyecto artístico nacido sobre el hilo inspirador de la cultura del tango en Agosto de 2013 en San Ginesio (MC), a lo largo de los años ha sabido mirar hacia adelante y mejorarse cada vez más hasta volverse exclusivamente en línea - social y tomar el camino de la investigación de los muchos y más interesantes artistas latinos - sudamericanos y otros pertenecientes al universo cultural de la poesía, la literatura, la música, la danza, el teatro y el arte.

Todo esto fue y es hoy posible gracias al trabajo asiduo y incesante de la Asociación Cultural “San Ginesio” y del Centro de Lectura “Arturo Piatti” (Provincia de Macerata). De hecho, gracias a ellos, el evento, dedicado al mundo latino, también ha visto abrirse a lo largo del tiempo importantes oportunidades de hermanamiento.

En este último sentido, los Socios de la edición en cuestión son: Asociación Cultural Terra dell’Arte - Museo M.I.D.A.C. (Belforte del Chienti - MC - Italia), F.O.R.A.R.T. fe (Macerata - Italia), Festival Internacional de poesía En el Lugar de los Escudos (Ciudad de México - México), Revista La Libélula Vaga - Al Faro Ediciones (Helsingborg - Suecia), Centro Cultural Tina Modotti (Turín - Buenos Aires - Italia - Argentina), Escuela de Poesía de Cuba (La Habana - Cuba. Una creación del Centro Cultural CubaPoesía y del World Poetry Movement) y la Revista Digital Literaria El Gato Negro (Madrid - España).

Todo el evento estará visible como siempre en la página de Facebook del Festival Sudamericana: https://www.facebook.com/sudamericafestival/

A continuación se muestra la lista completa de invitados al Festival, con sus respectivos aportes artísticos:

Jorge Luis Sagrera (poesía), Lôro Malandro (música), JoRayo y Asterixo Orquesta (música), Mpaulu Poeta Sol (poesía), Donatella Alamprese (música), Lucas Margarit (poesía), B.A.M.A.S Contemporary Tango Quintet (música), Quinteto Negro La Boca (música), Compañía Teatro Línea de Sombra (teatro), Andrea Dedò (baile), Jormay González Monduy (arte), Lumière Quinteto (música), Milonga Sin Corte (música), Víctor Ceprián Cortés (arte), Gypsinduo (música), Quinteto Revolucionario (música), Mónica Lucía Suárez Beltrán (poesía), Joaquín “Jimmy” Rodriguez (arte), Nicola Viceconti e Patrizia Gradito (literatura), Colectivo 73 (música), Cuarteto Tangábile (música), Giuliano Gambarelli y Vittoria Zoffoli (baile).

Finalmente, les informamos que la foto - portada de la página social del Festival es obra del fotógrafo Fabrizio Centioni (Fotomobil - Macerata - Italia) y retrata al escritor Adrián Bravi.

El evento está organizado por los operadores culturales Rita Bompadre y Matteo Marangoni.

Para más información: 340 6657356 - associazioneculturalesanginesio@hotmail.it

Arcane 17

Arcane 17

Por Mario Wong

Escritor peruano

Ito Gho

…estaba en bicícleta, por la tarde (no lejos de donde vivo), en la avenue de Troudaine, ¡increíble!, una pequeña galería -Guillet Arcane 17-  de arte, exhibía un cuadro del pintor japonés Itô Gho -nació en Tokyo, en 1940 ; estudios de bellas artes en su ciudad y en París (1965-66)- , lo increíble era una « flor de pétalos blancos » (parecía la hoja de la planta de marihuana), sobre fondo  rojo y que tiene, en torno a la « corola », en el « centro » de ésta…, se halla el rostro de una mujer, como si fuese uno más de los « pétalos » o, acaso, son hojas que… -y se trata de una planta o un árbol que… ;  cuya frondación es un…, mejor tiene…, tiene la forma de un cuadro, más pequeño (que combina el rojo con el verde claro); se trata de… ¿ una « mise en abîme », pictural?-, de su cabellera sobresale una parte del « pétalo (u hoja blanca) », que se proyecta, hacia arriba, como si se tratase (quiero creerlo) de su aura y… , ¡ « siete pétalos »! ( U ocho, en realidad, con el « pétalo aureático » , del  rostro que… ; y…, éste « pétalo (u hoja) » se…; inicialmente, no me había dado cuenta que…)

J’étais à vélo, dans l’après-midi (non loin d’où j‘habite), sur l’avenue Trudaine, incroyable ! une petite galerie d’art -Guillet Arcane 17- , exposait un tableau du peintre japonais Itô Gho – né à Tokyo en 1940 ; études aux  Beaux-Arts de sa ville et à Paris (1965-66)-, l’incroyable, c’était une « fleur aux pétales blancs » (elle ressemblait à la feuille de la plante de marijuana), sur fond rouge et qui a, autour de la « corolle », au « centre » de celle-ci…, s’y trouve le visage d’une femme, comme si c’était un autre des « pétales », ou peut-être, ce sont des feuilles qui...et il s’agit d’une plante ou d’un arbre qui… ; dont la  frondaison est un…, mieux, a…, a la forme d’un tableau, plus petit (qui combine le rouge et le vert clair) ; il s’agit de… une « mise en abîme » picturale ? de sa chevelure saillit une partie du « pétale  (ou feuille blanche) », qui se projette, vers le haut, comme s’il s’agissait (je veux le croire) de son aura et…, « sept pétales » ! (Ou huit, en réalité avec le « pétale auratique », du visage qui… ; et…ce « pétale (ou feuille) » se … ; initialement, je ne m’étais pas rendu compte que…)

París-Montmartre, 7 de mayo del 2020.

(Traduction Nelly Détré)

Exposición artista colombiano Franco

Más allá de las apariencias, o del  abstracionismo « mítico-expresionista » (El Dorado) en la pintura (*) del artista colombiano Franco

Por Mario Wong

Escritor peruano

« L’origine ne désigne pas le devenir de ce qui est né mais bien ce qui est en train de naître dans le devenir et le déclin. L’origine est un tourbillon dans le fleuve du devenir et elle entraîne dans son rythme la matière de ce qui est en train d’apparaître. (…) »

Walter Benjamin

A Miguel Rodríguez Liñán y a Tito Diez

La pintura « matérica-abstracta » (y hago uso del oximoron; pinta sobre yute y utiliza diversas materias: arena, vidrio…, restos metálicos, óxidos… ; y la  abstracción…, ¿ expresionista ?) de Franco es una explosión de múltiples  colores -en sus series « El Dorado », « Senderos » y  « Atmósferas »-, que bien podría hallarse emparentada con la « abstracta-expresionista », onirista-mítica, de un Jacson Pollock (1). La encuentro  de repente, yo, en el jardín de los senderos que se bifurcan (Borges)  del arte contemporáneo, en esta segunda exposición en la galería Mona Lisa, en sus nutrientes míticas precolombinas y en ese lenguaje, personal, del mundo de los sueños como una impugnación frente a una modernidad, un progreso, que  ya « tocó techo ».

… Así, su arte subvierte el espacio de la representación, y « manifiesta » (expresa) la destrucción de los diversos eco-sistemas del planeta Tierra; los « espectros » de la destrucción (los he visto en…), como si se tratase de una historia, pictórica, universal de la infamia, se hallan ahí presentes en sus cuadros. Son rostros fantasmáticos que nos sorprenden; es como si el caos fuese el motivo de su arte, y Franco recorriese el terreno de las representaciones indígenas (de sus geometrías, laberintos y senderos… ; véase su serie « El Dorado »), como si estuviese en búsqueda de una « salida » a la locura…, a la entropía y anomia social del capitalismo globalizado. He visto lo que he visto…, hay cosas que no recuerdo y sin embargo… (D.C.)

Las imágenes no son el substrato de « nada sólido» (…léase L’art à l’état gazeux, de Yves Michaud); el espectador no puede « estabilizar » las imágenes para « fijarlas » mejor  en una « visión retiniana » (M. Duchamp, y su crítica del  art rétinien…, del « fin del arte » o de lo estético vilipendiado… ; del repudio de lo bello y del triunfo de la fealdad y de la nada, o de lo insignificante y la « copia » (W.B.) en el arte contemporáneo), de esencias inmóviles (como si fuese una mariposa, que no es posible describirla sino cuando ella se halla con las alas abiertas, en una vitrina, atravesada por un alfiler… ; pero, ¿cómo describir una mariposa batiendo sus alas en pleno vuelo?); las imágenes, en los cuadros de Franco, en esas explosiones múltiples del color, tienen, lo repito (me repito…) algo de espectrales, como si oscilasen en distintos tiempos y espacios...  Bien podría aplicárseles la expresión wiggensteiniana de « verlas » una vez como tal cosa y, otra vez como tal otra… (2); son las capas, bien trabajadas, de lo matérico de sus pinturas, que hace que sus « superficies » creen ese efecto… ; los elementos utilizados dan a su pintura textura y volumen y trasmiten, con el uso de otros recursos técnicos, también velocidad y movimiento.

  

(*) Galerie Mona Lisa, 32 rue de Varenne, 7^ème Arr., Paris; exposición de noviembre. Incluye pinturas de tres series: « El Dorado », « Senderos » y « Atmósferas »; y también algunas esculturas de su exposición anterior  (mes de julio) : « Seres ».

París-Montmartre, 7 de noviembre del 2019.

Notas :

(1) Más no creo que sea la misma técnica, action painting, que inventase el pintor norteamericano…, que descartaba el uso del caballete y practicamente del pincel (usaba directamente el chisguete, la espátula y otros medios…, para verter y salpicar, chorrear, gotear…)  y que implicaba -pintaba con la tela extendida sobre el suelo-, la involucración completa de la mente y el cuerpo del artista (esto último literalmente, ahí están las fotos), como si fuese un ritual chamánico, en la obra…, que adquiere el dinamismo que caracteriza el estilo de este  gran artista.

(2)Cito in extensius: «(…) Que l’image soit instable, cela signifie qu’elle voue notre langage lui-même –qu’il s’agisse d’interpréter ou même, seulement, de décrire ce que nous voyons – à l’oscillation des temps et des aspects. Si l’image n’est le substrat de rien de solide, mais un simple, jamais simple en réalité, passage des aspects, alors le langage qui tente d’en consigner l’expérience ne saurait être lui-même  qu’un passage des temps dont  l’expression wittgensteinienne « voir (l’image) une fois comme telle chose, une autre fois comme telle autre chose » (einmal als das eine,einmals als das andere Ding sehen) donnerait probablement la formule de base. Ce n’est pas un hasard, d’ailleurs, si la théorie des aspects, dans la linguistique de… » (Véase Didi-Huberman, Essayer voir, Paris, Les éditions de Minuit, 2014, pp. 63-64). 

Allégorie. Juan Ignacio Valenzuela

Juan Ignacio Valenzuela o de la « Allégorie » (*) –« Angelus Novus » (Klee, W. Benjamin), Polichinelle…, en tiempos de catástrofe

Ahí donde el pensamiento se detiene en una

constelación saturada de tensiones…

Walter Benjamin

A Ingrid Bedoya L. y a Julio Le Parc

Por Mario Wong

Escritor peruano

Angelus Novus de Paul Klee y retrato deWalter Benjamin

Cito in extensius  a  W. Benjamin -para empezar esta nota-, la tesis X, de «Sur le concept d’histoire », de Écrits français:

« Hay un cuadro de Klee intitulado Angelus Novus. Vemos un ángel que parece alejarse de algo, a lo que su mirada permanece puesta. Sus ojos están exorbitados, su boca abierta y sus alas desplegadas. Tal deberá ser el aspecto que presente el Ángel de la Historia. Su rostro está vuelto hacia el pasado. Ahí a donde nuestra mirada parece que se suceden una serie de événements. No hay otro que uno que se ofrece a sus miradas: una catástrofe sin modulación ni tregua, amontonando los descombros y proyectándolos eternamente ante sus pies. El Ángel querría bien inclinarse sobre ese desastre, curar las heridas y resucitar a los muertos. Pero una tempestad se ha levantado, viniendo del Paraíso; ella ha inflado las alas desplegadas del Ángel; y él no consigue más replegarlas. Esta tempestad lo lleva hacia el porvenir, al cual el Ángel no cesa de darle la espalda mientras que los descombros, frente a él, se elevan hacia el cielo. Damos el nombre de Progreso a esta tempestad». [1]  Esta tesis es, sin duda, una alegoría de la historia en tiempos catastróficos que…

El filósofo italiano Giorgio Agamben toma, en uno de sus últimos libros[2], a un personaje de la comedia napolitana, que se expandió en el arte, el Polichinelle, y que proviene de la historia en tiempos de desastres, tiempos de mutaciones inquietantes, épocas des tournants historiques (la caida de la República de Venezia, en tiempos de Tiepolo, la ascensión del nazismo, las dictaduras del…)

Juan Ignacio Valenzuela

Desde el momento que entré a la sala de la biblioteca de la embajada Argentina -6, rue Cimarose, 6ème Arr. de París- las esculturas del artista argentino Juan Ignacio Valenzuela, en su exposición intitulada « Allégorie », sentí que me interpelaban; las más que presentan una suerte de autómatas (la llave, que les da cuerda a sus figuras, se halla ahí, en sus espaldas; lo cual hizo que surgiese la cuestión sobre la libertad de sus personajes alegóricos) en lo alto de sus « estructuras », como asomándose al vacío; personajes invisibles como en « La Fortaleza » (es el título de una de las piezas) o en frágil equilibrio –en « Cíclico », « Instinto », « El abrazo »…, todos de su Serie Alegoría. Éstos, indistintos, tal vez pertenecientes a un « castillo kafkiano », en tensión abismal, como si se sorprendiesen (o nos sorprendiesen…), en un instante, antes de la caída; y, al mismo tiempo, como si la rueda continuase girando, « Cíclico », en la tensión de « ese equilibrio », inestable,

De Allégorie

ellos permanecen como el « Polichinelle trapecista » (1797-1804; scène 46), obra de  Giandomenico Tiepolo (1727-1804); éste en el momento de la « caída ». O, quizás, « un funámbulo que anda (marche) sobre una cuerda inexistente;  él se mueve libremente, con su torpeza insistente (gaucherie ardue), disciplinada, acrobática, en el espacio que se abre entre ellos y más allá de ellos »[3], anota Agamben.

Obra plástica toda ésta, de J.I. Valenzuela, « política », en estos tiempos de caos, de crisis permanente, de desastre, que expresa el coraje del artista; hay, pienso, una parte que « aparece » como si estuviese sumergida (me viene a la memoria la « teoría del iceberg », de Hemingway), en la oscuridad de lo que aconteció, de los événements que marcaron la historia de los países del Cono Sur, del continente américano, en las últimas décadas del siglo pasado. Se trata, pues, de las « resonancias alegóricas » -W. Benjamin hablaba, en lo que respecta a su concepción de la alegoría, de « constelaciones dialécticas »; esto es de imágenes sorprendidas, en su movimiento dialéctico, en el acto en que se detienen (Stillstand) - de su obra, en la que el vacío se halla muy presente; lo cual crea una tensión, la del vértigo de la caída que sorprende e interroga al espectador.

 

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Memorial a Walter Benjamin por Dani Karavan en Port Bou

Port-Bou, « último » punto de frontera –Walter Benjamin (26 de septiembre, 1940)

En los trenes que recorrían esa parte de Europa en guerra (1936-1939) -la Península Ibérica bombardeada (Guernica, 1937); y los soldados republicanos que intentaban cruzar la frontera francesa (sufriendo la humillación de la derrota, y las injurias, empujones e incluso culatazos de los gendarmes franceses)-, la estación de Cerbère (como « Cerbero », el can de siete cabezas que vigila la entrada del Hades; su nombre ya era un maleficio de la suerte), es casi un símbolo[4], que quitándole el velo au réel ponía de manifiesto la insignificancia de la existencia humana.

En movimiento inverso -en esa red de ríos que son los trenes nocturnos- había llegado Walter Benjamin a Port-Bou (en ese su último viaje insomne), en 1940, huyendo de la persecusión nazi, después de las « leyes de Nuremberg », con una maleta negra (no era la « valise portative » de Duchamp, pero portaba documentos importantes que W. B. quería salvar de la catástrofe europea, su catástrofe y la de todo su mundo, como la de Stefan Zweig). Llegó hasta allí; pocos días después, un mes de octubre, se suicidaría tomando no sé cuantas pastillas de…

El azar, su mala suerte, que él se la representaba como un enano jorobado que lo… ; de ahí todo se desliza entre sombras y… ; como si se encontrase perdido en los subterráneos de… ; él que presintió (su experiencia, de esos últimos años de vida, lo manifiesta) la desmesura destructiva y criminal del siglo XX, atravesado por « champs de forces », tan poderosas como las que rigen el cosmos; …en esa larga noche que no tiene fin y… ; y esa era la larga noche de Europa, « cruzada de largos trenes siniestros, de convoyes de vagones de mercancías -escribe A. Muñoz Molina- o ganado con las ventanillas clausuradas, avanzando muy lentamente hacia los páramos invernales cubiertos de nieve o de barro, delimitados por alambradas y torres de vigilancia »[5]

(Serge Personne, Rev. « Sieteculebras », Cuzco-Perú, 2007).

París-Montmartre, 15-17 de octubre del 2019.

(*) J. I. Valenzuela, Allégorie, exposition, Ambassade d’Argentine, París-Octubre-2019.

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[1] W. Benjamin, Écrits français, París, Éds. Gallimard, 1991, pp. 343-344; la traducción es mía. Cito, seguido, la tésis en francés: « Il y a un tableau de Klee dénomé Angelus Novus. On y voit un ange qui a l’air de s’éloigner de quelque chose à quoi son regard semble rester rivé.Ses yeux sont écarquillés, sa bouche es ouverte et se ailes sont déployées. Tel devra être l’aspect que présente l’Ange de l’Histoire. Son visage est tourné vers le passé. Là où à notre regard à nous semble s’échelonner une suite d’événements, il n’y (en) a qu’un qui s’offre à ses regards à lui: une catastrophe sans modulation ni trêve, amoncelant les décombres et les projétant eternellement devants ses pieds. L’Ange voudrait bien se pencher sur ce désastre, panser les blessures et ressuciter les morts. Mais une tempête s’est levée, venant du Paradis; elle a gonflée les ailes deployées de l’Ange; et il n’arrive plus à les replier. Cette tempête l’emporte vers l’avenir auquel l’Ange ne cesse de tourner le dos tandis que les décombres, en face de lui, montent au ciel. Nous donnons nom de Progrès à cette tempête».

[2] Véase G. Agamben, Polichinelle ou Divertissment pour les jeunes gens en quatre scènes, Paris, Éds. Macula, 2017.

[3] G. Agamben, Ob. Cit., p. 95. Agamben reflexiona sobre la «scission zoe/bios» (vida desnuda/vida política, o cuerpo biológico/ cuerpo político…), al final de su libro Homo sacer 1 (1997), en la « Apostille » a Polichinelle ou Divertiss… ; cito, seguido, el final  de«Apostille»: « (…) Il n’y a pas, chez Polichinelle, une vie végétative séparée de la forme de vie, une zoe qui pourrait être séparée et distinguée du bios. En vérité, Polichinelle n’est ni l’un ni l’autre. Il est plutôt le tiers qui apparaît dans leur coincidence –c’est-à-dire dans le moment ou ils chutent ensemble– et comme le trapéziste de la scène N° 46, ou un funambule qui marche sur une corde inexistante, il se meut librement, avec sa gaucherie ardue, disciplinée, acrobatique, dans l’espace qui s’ouvre entre eux et au-delà d’eux. » ; véase la scène 46, del « Polichinelle trapéziste », de Tiepolo en la p. 96.

[4] En contraste con el symbole religieux ver M. Eliade, Méphistopheles et l’androgyne, Paris, Éds. Gallimard, « folio-essais », 1962, p. 304.

[5] Antonio Muñoz Molina, Sefarad, Barcelona Ed. Seix-Barral S.A, 2009, p. 46. 

Obra artística premiada de Milthon

Milthon, la « Gran Guerra » (1914-18), el soldado desconocido (« poilu ») y su perro…

Por Mario Wong

Escritor peruano

In memoriam Jean y Emilie Carles, pacifistas ejemplares

 

Obra premiada de Milthon

El gran artista colombiano Milthon acaba de obtener un premio -convocado por un prestigioso jurado, cuyos miembros forman parte de los jurados de « Trofeos de Perros Héroes » y del « Premio de Bellas Artes » de la Société Centrale Canine-, por una escultura que « simboliza la poderosa unión del soldado y su perro », en la « Gran Guerra »… Ocurre que leía y releía el libro autobiográfico de Emile Carles, Une soupe aux herbes sauvages (*), lo que me suscitó escribir esta nota, mirando en la net la foto de la escultura del artista. Cito seguido, in extensium, dos párrafos de la interpretación que hace el artista de su obra premiada :

« Serrées l’un contre l’autre face à l’adversité environnante, proche et imprévisible, le chien et l’homme font face et ne doivent pas faillir.
Ils se tiennent là, en attendant de contrer le destin en une seule pensée, en une attitude unique sous la pèlerine qui leur sert de refuge… »

… El soldado desconocido de Milthon vive, esta etapa de la historia, con su fiel perro « Céline », en un Voyage au bout de la nuit  (Jean  y  Emilie Carles s’y retrouvaient en lisant les pages de cet chef-d’œuvre de la littérature); el soldado y su perro étaient pris, en una trinchera, en esa fuga en masa hacia la muerte, en común hacia el fuego; ocurría en el presente y ça venait des profondeurs et c’était arrivé (Céline). Él y su fiel perro, en un acto de heroicidad extraordinaria se encuentran bajo el intenso fuego enemigo, dos soldados alemanes (otros dos brothers in arms, dos puntos negros, igualmente desconocidos…) que les disparan, desde hace más de un cuarto de hora… ; él no tiene más de veinte años y, bajo el  fuego del enemigo sienten (animal y soldado) toda la locura y la absurdidad de la guerra :

...tout cela m’apparaissait soudain comme l’effet d’une formidable erreur. Dans une histoire pareille y’a rien à faire, il n’y a qu’à foutre le camp que je me disais après tout… Au-dessus de nos têtes, à deux millimètres, à un millimètre peut-être  des tempes venaient vibrer l’un derrière l’autre ces longs fils tentants  que tracent les balles qui veulent vous tuer dans l’air chaud d’été…     Le vent s’était levé brutal de chaque côté des talus, les peupliers mêlaient leurs rafales de feuilles aux  petits bruits secs qui venaient de là-bas vers nous… (Céline).

 

(*) Emilie Carles, Une soupe aux herbes Sauvages, Paris, Éd. Jean-Claude Simoën, 1977.  Emilie estuvo casada con el obrero anarquista y pacifista Jean Carles; ésta es una historia de Francia (y no sólo de ella) que desde el « mirador » de un pueblo, Val-des-Prés (Les Haûts  Alpes), a través de su vida da cuenta desde  comienzos del siglo pasado, de  más de siete décadas de dicha historia, signada por los acontecimientos de entre las dos guerras mundiales...

 

París-Montmartre, 27 de noviembre del 2018

Muestra antológica de Iván Fernández-Dávila

2005 - Liz_oleosobrelienzo_120x80

Iván Fernández-Dávila: Muestra Antológica. Pinturas 2004-2018

Inauguración jueves 05 de julio (hasta el 05 de agosto)

El pintor Iván Fernández-Dávila (Lima, 1983) presentará:  

Muestra Antológica. Pinturas 2004-2018 el jueves 05 de julio a las 7:00 p.m. en la Galería Juan Pardo Heeren del ICPNA Lima Centro (Jr. Cuzco 446, Cercado de Lima) compuesta por una selección de más de veinte pinturas al óleo realizadas en los últimos catorce años.

Su pintura opta por un realismo neoexpresionista que rompe las barreras entre arte y vida.  Elegíaca, de fortaleza, expresividad y oficio. El artista nos traslada a su imaginario personal y críptico: El cuerpo humano y la carne que lo reviste. La sensualidad y el drama que en sí representan la vida. Suntuosos colores encendidos que remiten a los fovistas franceses y las formas figurativas, dramáticas y gestuales, de los expresionistas.

2009 - Desnudo en la habitación del taller-
óleo sobre lienzo - 120 x 100cm

La historiadora del arte por la Universidad de Murcia, Dra (c) Alba Choque Porras, curadora de la exposición, señala en el texto del catálogo: 

  

“Desde su incursión en el mundo del arte, el lenguaje plástico de Iván Fernández- Dávila se ha centrado en obras que expresan un intenso juego de presencias ocultas, una obra inquietante, evocadora de impulsos, sentimientos y deseos, de fuerza transformadora y creativa, donde la pintura es utilizada como instrumento catártico de sus emociones, expresando estados de ánimo y aportando aspectos no visibles contenidos en la consciencia del artista: Su pintura se convierte en una serie de ideas y sentimientos elaborados no bajo una fórmula única sino que ha ido evolucionando a través del tiempo mediante el diálogo del fauvismo y el expresionismo, donde afloran referentes desde Cézanne, Kirchner, Freud, Bacon, Humareda y Herskovitz sea desde la forma representada o desde el pensamiento crítico transferido a lo visual.

Si hay una constante en su obra, ésta tiene nombre: la intensa mirada del pintor.  No es una visión indiscreta del artista, sus personajes en su mayoría femeninos saben que él las mira. Así, Fernández-Dávila ejerce su control sobre ellas, a través de una pincelada de gran carga psicológica y expresiva, plasmando a través del color su visión intensa de la fragilidad de la existencia humana. La soledad, el agobio, el pesimismo, la ironía, lo poético, la sórdida angustia del hombre en la sociedad moderna, son mostrados por el artista, usando al color como espíritu de la forma, como existencia independiente.

2012 - Antihéroe-óleo sobre lienzo-160x180cm

Esta exposición recoge una selección de obras modeladas por el artista, partiendo de la figuración y separadas por el empleo técnico de una pincelada que va pasando del trazo sereno a empastes inclusive violentos, y en otros donde el colorido es furioso, brillante, estridente, forjando el contraste de complementarios para generar luz y fuerza expresiva. Colores antinaturales, es cierto. Porque el color está al servicio de la expresión subjetiva del artista, de contornos irregulares pero muy marcados que refuerzan los aspectos más ocultos y siniestros de sus personajes.

2017 - Anochece - óleo sobre lienzo - 200 x 250 cm

Las escenas personales son temas recurrentes: el taller del pintor, el dormitorio, los espacios donde él vive o los lugares que han marcado su huella imaginativa, matizados por un gusto sensual, que aborda incluso lo erótico. Es en esta realidad carnal, donde la propia imagen del artista participa en claras oportunidades desde lo interno como lo externo, las implicaciones perturbadoras de sus imágenes ofrecen múltiples lecturas.

2017-Crucifixión-óleo sobre lienzo-250x190 cm

2017 - Ser y Tiempo - óleo sobre lienzo - 170 x 170 cm

Compone segmentando abruptamente los planos y fracturando la figura en ángulos contorsionados, los cuerpos se arquean, se exhiben, se exponen u ofrecen. Renuncia a la perspectiva normal, creando ángulos visuales y puntos de vista inesperados, desde arriba o de perfil, que desfiguran y deforman lo representado, su búsqueda no es de la belleza ideal sino de la esencia humana...”

Acerca del artista:

Iván Fernández-Dávila

IVÁN FERNÁNDEZ-DÁVILA OCAMPO (Lima, 1983) Ha realizado quince individuales de pintura, entre las que destacan: “Muestra Antológica. Pinturas 2004-2018”, Galería Juan Pardo Heeren ICPNA Lima (2018). “Peintures” Colegio de España en París. París, Francia (2016).  “Expresionismos” Museo Pedro de Osma Lima (2015). “Pinturas” Galería Liliana Rodríguez Buenos Aires, Argentina (2014). “Vínculos” Museo de Arte Contemporáneo Arequipa, Perú (2014). “Habitación en Lima” Latino Art Museum Los Ángeles, Estados Unidos (2013). “Los Días y la Pintura” Museo Pedro de Osma Lima (2012). “Pinturas” Museo de Arte de San Marcos Lima (2010). 

Entre sus colectivas resaltan: “Subasta Unesco” Comunidad Andina Sede Central. Lima (2018). “Salón Binacional Francia-Perú” Chateau Du Saint Auvent. Saint Auvent, Francia (2017). “Pinturas Peruana Actual” Galería Aguafuerte Ciudad de México, México (2017).  “Desnudos” Centro Cultural Parra del Riego Lima (2016). “Concurso Nacional de Pintura Mapfre” Museo de la Nación Lima (2015). “Colección Benetton” Venecia, Italia (2015). “XVI Bienal Interbifep” Galería Nacional del Retrato Tuzla, Bosnia (2015). “Mujeres, el dilema de sus sueños” Galería Aguafuerte Ciudad de México, México (2015). “Pinturas” Galería Liliana Rodríguez Buenos Aires, Argentina (2015). “Feria Carrousel Du Louvre. Galerie Loft. París, Francia (2014).  “Arte de Sudamérica” Galerie Kontraste, Westfalia, Alemania (2013).  “Encuentro de Artistas” Villa Ste Cècile, Limoges, Francia (2013). “99 artistas y medio” Galería Maxó Barcelona, España (2011).  “La Pintura” Centro Cultural Ccori Wasi Lima, Perú (2011) “Pintura Peruana en Berlín” Temporary Gallery, Berlín, Alemania (2011).  “Arte en Silencio” Espacio de Arte Edesur, Buenos Aires, Argentina (2011) “Pintura Peruana Hoy” Museum of America, Florida, USA (2011) “II Bienal de Pintura de Guayaquil” Museo Luis Noboa Naranjo, Guayaquil, Ecuador (2010). “Homenaje a Renée Navarrete Risco” Galería Municipal Pancho Fierro Lima, Perú (2010) “Pintura Peruana en Valencia” Galería Aranya Valencia, España (2010) “Pintura Peruana Actual” Galerie El Pacifico, Stuttgart, Alemania (2010). “Autorretratos” Museo de Arte de San Marcos Lima, Perú.  “Pintura Peruana Joven” The Portable Gallery Embajada del Perú en Reino Unido, Londres, Inglaterra (2009).  Ha realizado numeras curadurías de pintura peruana en ciudades como Londres, Berlín, Valencia, Stuttgart, México, Los Ángeles, Lima, entre otras ciudades. Ha publicado diversos libros de arte y poesía. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas de América y Europa.

www.ivanfernandezdavila.com

Sin Fronteras Primera Feria de Arte Solidario

Sin Fronteras Primera Feria de Arte Solidario nace con la intención de aportar un grano de arena para paliar la tragedia que a diario viven las personas refugiadas. Las y los artistas queremos que nuestro trabajo tenga también una dimensión social, conectar nuestra creación con nuestro mundo, llegar a la sociedad en la que vivimos y ayudar a transformarla, luchar por otro mundo posible.  

Artistas Plásticos Sin Fronteras de Madrid con la imprescindible colaboración del Ayuntamiento de Madrid y las generosas donaciones de 98 artistas participantes pone en marcha esta Primera Feria de Arte Solidario. La venta de las obras aportadas va íntegramente para que Médicos Sin Fronteras cuente con más recursos en los campamentos de personas refugiadas en los que actúa.

Sin Fronteras tendrá lugar del 15 al 18 de marzo en la sala Fernán Gómez del Centro Cultural de la Villa de Madrid (de 10 a 21h). La inauguración será el jueves 15 de marzo a las 19,30 horas y el acto será presentado por el comunicador Paco Lobatón, un hombre solidario y especialmente sensible ante los problemas humanos.

Artistas participantes: Alfredo Alcaín, Manuel Alcorlo, Pedro Almeida, Antonio Alvarado, José-Félix Álvarez Prieto, Manolo Amaro, Manuela Armada, Vivian Asapche, Carlos Bandrés, Justo Barboza, Ángel Bellido, Francisco Bernal, Elena Blanch, Fausto Blázquez, Marta Buenaventura, Teófilo Buendía, Manuel Campoamor, Juan Carlos Carrazón, Javier Carro, Alejandro Carro Pérez, Olvido Castillo, Tomás Cordero, Santos Díaz, Manuel Domingo Castellanos, Juan Eizaguirre, Enrique Esteve, Oscar Estruga, Gudrum Ewert, Ivon Ferrer, Enrique Flores, Gabriel Fuertes, Miguel García Rodríguez, R. García Tejero, Daniel Gil, Gema Goig, Gutierrez Goñi, Anaida Hernández, Ibírico, Luis Emilio Izaguirre, Sohad Lachiri, Enrique Lanza, José de León, Rafael Liaño, Javier Liébana, Jerónimo López, Lucía López Bisquert, Mirjana Lucic, Vladimir Llaguno, Joel Llorente, Silvan Malet, François Maréchal, Elena Martín, Adrián Menéndez, Aldo Menéndez, Jacoba Millán, Rufino de Mingo, Juan José Molero, Pedro Monserrat, Emilio Morales, Noel Morera, María Muñoz Conde, José Manuel Nuevo, Javier Olayo, Yolanda Onandía, Nacho Ordás, Luis Ortés, Enrique Ortíz, Manolo Oyonarte, Carmen Oyarzabal, Carmen Pagés, Mela Paredes, Juanjo Parra, M. Carmen Patier, Miguel Peña, Luis Rapela, Geo Ripley, Ricardo Rivero, Rafael Rivera Rosa, Eva Rodríguez, Pablo Rodríguez Guy, Diego Romero, José Luis Sainz, Nelson Sambolin, Nana Santamaría, Carmela Saro, Pablo Sicet, José Luis Simón, Vicente Talens, Taniaguper, Pedro Terrón, Spela Trobec, Anna Verrijt, Carlos Vidal, Jesús Vizuete, Ana Weiss, Hugo Wirz, Yano-Yoro, Pilar Zaragoza.